Taller de Fotografía Digital

2008-07-16T15:50:00.001-07:00

Clase 1: Conceptos básicos

Bienvenidos a la primera clase del Taller de Fotografía Digital. En esta clase veremos a modo introductorio de qué se trata este arte, pero también algunos conceptos básicos sobre la imagen digital, la importancia de la resolución, las características de una cámara y cómo funciona. Para agregar un poco de color finalizaremos analizando la utilización de la fotografía digital en nuestro blog o sitio web. ¡No perdamos más tiempo y comencemos ya!

¿Qué es la fotografía digital?

Para empezar deberíamos ir un poco más atrás y entender qué es la fotografía propiamente dicha. Este curso pretende ser lo más práctico posible, de modo que voy a tratar de ser sintético: La fotografía es el proceso de captar una imagen por medio de la luz.

La forma original se produce de esta manera:

La luz reflejada por una imagen (que la hace visible) penetra por una obturación en una caja oscura (llamada cámara) donde impacta sobre un material fotosensible (sensible a la luz) en el cual reaccionan compuestos químicos que forman la reproducción de la imagen original.
La obturación de la cámara se cierra para no dejar pasar más luz, de otro modo el químico recibiría una sobrecarga de luz y quedaría velado (al igual que si nos apuntaran un reflector a los ojos durante un tiempo, dejaríamos de ver normalmente y quedaríamos encandilados).
El material donde quedó grabada la imagen se debe revelar para poder ver la imagen sin problemas y con cualquier tipo de luz. Esto también se realiza mediante compuestos químicos.
Listo, ya tenemos una fotografía.

Ahora sí: ¿Qué es la fotografía digital?

Explicado lo anterior, la fotografía digital es una variante donde el proceso de captura de una imagen se realiza también a través de una obturación, pero la luz es interpretada por dispositivos electrónicos y traducida como información digital. La captura se realiza en un archivo, y no necesita revelarse.

La revolución digital

El tremendo auge del formato digital se debe a múltiples razones:

Una cámara digital permite tomar infinidad de fotografías, comparada con una cámara analógica, donde estamos obligados a usar rollos de 12, 24 o 36 fotos. Si queremos sacar más fotos, debemos cambiar el rollo, lo cual es bastante molesto.
Siguiendo con el tema, con una cámara digital nos ahorramos el costo de cientos de rollos de fotos.
Nos ahorramos el revelado. A mucha gente le basta y sobra con tener sus fotos en la PC, celulares, sitios web, etc, etc, etc. Las fotos que queramos tener en papel podemos imprimirlas.
Podemos corregir la calidad de las imágenes o agregarles efectos digitalmente.
Hoy en día todas las cámaras digitales vienen con un visor que nos muestra las fotografías que vamos sacando. Si no nos gusta cómo quedó alguna podemos tomarla de nuevo. En el método analógico hay que esperar al revelado, además de que se sacan menos fotos para economizar rollo.
Una ventaja importante es el tema de los colores, sobre todos para los amantes del arte y el diseño: Una cámara común imprime la imagen en un papel, que tiene hasta un cierto grado de brillo. En cambio la fotografía digital está pensada para ser reproducida en dispositivos que emiten luz, como el monitor de una computadora, etc. Estos muestran la luminosidad exacta original de la imagen capturada.

Estos son sólo algunos motivos por los cuales la gente elige cada vez más la fotografía digital.

Para saber más sobre el tema de los colores y sobre el punto siguiente, les recomiendo echar un vistazo al Taller de Photoshop (clic aquí para ir al taller).

Píxeles

La imagen que se obtiene de una cámara digital está compuesta por píxeles, es decir, pequeños puntos, cada uno con un color determinado, que al disponerse de determinada manera forman la imagen.

Resolución de la imagen

La cantidad de píxeles va a influir en la nitidez y definición de una imagen. Esto se llama resolución, y se mide en cantidad de píxeles por pulgada cuadrada. Cuantos más píxeles tenga por pulgada una imagen, será de mayor calidad.

Pero el asunto con las cámaras digitales es que dependiendo el modelo, podremos sacar fotos con más o menos resolución, es decir, de mayor o menor calidad.

La definición de una cámara digital a la hora de capturar una imagen se mide en Megapíxeles.

Un mega píxel equivale a 1 millón de píxeles. Esto no es tanto como parece, tengamos en cuenta que la medida estándar de un wallpaper o fondo de pantalla de una computadora es de 1024 píxeles de ancho por 768 de alto, lo que equivale a 786.432 píxeles totales, que serían 0,7 megapíxeles.

De todas formas hoy día las cámaras digitales más comunes tienen un mínimo de 4 o 5 megapíxeles, así que podríamos imprimir un póster con cada foto (:D)

Características de una cámara digital

¿Qué es y cómo funciona?

Si bien ya vimos bastante sobre el funcionamiento de la cámara digital y su proceso de captura, podemos ponernos un poco más técnicos.

Las cámaras digitales usan dispositivos como CCDs (Charge-Coupled Device, con diminutas células fotoeléctricas que registran la imagen) o sensores CMOS, que graban niveles de brillo. En la mayoría de las cámaras digitales, el CCD esta cubierto con un filtro coloreado, teniendo regiones color rojo, verde y azul, organizadas en mosaico según un filtro, así que cada píxel-sensor puede grabar el brillo de un sólo color primario. La cámara interpola la información de color de los píxeles vecinos, mediante un proceso llamado “de-mosaicing”, para crear la imagen final.

Las fotografías en tu Blog o sitio Web

Hoy en día más que nunca todo entra por los ojos. Diferenciarse es vital, y no lo vamos a hacer con fotografías híper trilladas sacadas de bancos de imágenes. La fotografía es estática pero da la sensación de movimiento. Es color; armonía. Tiene una intención y expresión determinadas por el autor, lo que la hace genuina y original. Por eso deberíamos pensar en capturar nuestras propias fotografías.

El objetivo de este curso es que se puedan convertir en verdaderos profesionales, no desaprovechen entonces la oportunidad y anímense a ir sacando sus propias imágenes sin miedo.

Esto es todo por hoy, los espero la próxima clase donde veremos más detalladamente los componentes y dispositivos de la cámara digital.

Clase 2 Tipos de cámaras y accesorios

¡Hola! ¡Cómo pasa el tiempo :)! ya estamos en la segunda clase de Fotografía Digital, listos para aprender más sobre este mundo apasionante que mezcla el arte y la estética con la tecnología. En esta clase veremos temas más puntuales como la sensibilidad a la luz y al color, los tipos de lentes, y además aprenderemos qué tipos de cámaras son más adecuadas para cada finalidad y qué tipos de baterías usar. ¡Comencemos!

Sensibilidad a la luz y al color

La clase pasada vimos qué eran los dispositivos CCD y CMOS. Ahora bien, a nivel de sensibilidad a la luz y al color hay importantes diferencias entre ellos.

Los chips CMOS son más baratos de fabricar y disponen de varios transistores asociados a cada fotosensor, mientras que los CCD agrupan los electrones que envía cada uno de los fotosensores para procesarlos en una sola unidad.

Otra forma de explicarlo es la siguiente: las cámaras con CCD proporcionan mayor calidad de imagen, menos distorsiones y más precisión en el color; mientras que los CMOS se usan en cámaras digitales de bajo precio y calidad de imagen.

Hay algunas cámaras que no tienen uno sino varios chips CCD, esto se debe a que si se usa un solo chip existen áreas de la imagen que no se registran como son las uniones entre uno y otro fotosensor. Si se ubica un CCD atrás del primero se pueden cubrir las áreas de unión entre los fotosensores, por ello, una cámara con dos o hasta tres CCDs tendrá una calidad de imagen muy cercana a la realidad.

Pero los fotosensores no registran el color, sólo la intensidad de la luz y la cantidad de fotones.

Existen tres formas en las cuales la cámara digital capta el color:

Sensores con filtros.
Algunas cámaras muy sofisticadas poseen tres sensores CCD de imagen. Cada uno de ellos tiene encima un filtro para alguno de los colores básicos (rojo, verde y azul, o RGB); captan la misma imagen, pero es un proceso adicional el combinar las tres para crear el registro de la misma.
Filtros en rotación.
Sólo hay un sensor de imagen y, a la vez, un pequeño disco con filtros para RGB. Aunque cámaras con esta forma de capturar el color son más baratas, tienen el inconveniente de que cada fotografía requiere de tres tomas, por lo que no se recomiendan para registrar objetos en rápido movimiento.
Interpolación.
Es el más popular de los métodos para capturar el color, se usa un solo sensor CCD o CMOS, pero cada fotosensor tiene encima un filtro para el rojo, el verde o el azul; eso de inmediato dará una imagen compuesta por esos colores. Sin embargo, por medio de cálculos matemáticos se puede estimar el verdadero color de cada píxel, en función de la presencia o ausencia de los colores básicos, estadísticamente, en las vecindades de cada fotosensor. Eso se llama interpolación y requiere más labor de procesamiento que de captura.

Dispositivos de almacenamiento: Tarjetas de memoria

Todas las cámaras usan algún tipo de memoria en la que guardan las fotos. Cuanto más capacidad tenga, mejor, aunque seguramente tendrás que comprar un módulo por tu cuenta, ya que de fábrica vienen con cantidades ridículas y son de velocidades muy lentas.

Ojo a los precios, la memoria SD es la más barata y todas tienen una calidad similar. La diferencia más importante es el tamaño, cuanto más pequeñas son las cámaras, suelen tener formatos de memoria más pequeños.

Para que te hagas una idea de la capacidad de una tarjeta de memoria, aquí tienes unos valores aproximados para fotos sacadas en calidad “buena” (sin demasiada compresión):

Tarjeta memoria 128 megas, CCD 2 megapixels = 200 fotos
Tarjeta memoria 256 megas, CCD 2 megapixels = 400 fotos
Tarjeta memoria 128 megas, CCD 4 megapixels = 100 fotos
Tarjeta memoria 256 megas, CCD 4 megapixels = 200 fotos

Alimentación eléctrica: Tipos de baterías

Si hay algo por lo que se caracterizan las cámaras digitales es por “comerse” las pilas AA en menos de una hora (en total) de uso.

La opción obligada, entonces, es comprar un par (o más) de pilas AA recargables, y un cargador normal para tenerlas siempre llenas. La verdad es que esto sale muy barato, y el rendimiento es impresionante.

Comprando pilas comunes en pocos días habrás gastado más dinero que lo que sale el cargador y las pilas recargables.

Si estás por comprar tu cámara digital trata de conseguir una que utilice este tipo de baterías, las que vienen con batería propia suelen tener menos autonomía y en caso de avería sólo podrás conseguirla en una tienda especializada.

Yo suelo llevar unas pilas recargables en la cámara y otro par de repuesto, pero me ha pasado en un viaje que se me acaben los dos pares (esos viajes donde uno no puede dejar de filmar o tomar fotos) y sólo tuve que comprar un par de pilas comunes en cualquier tienda y seguir disfrutando de mi cámara.

Sistema de visión - Tipos de lentes

Las cámaras fotográficas digitales tienen cuatro tipos de lentes:

Foco fijo:
Suelen ser las más económicas, permiten tomar imágenes enfocadas dentro de un espectro que suele ir del metro y medio a los 50/100 metros de distancia. Fuera de ese rango la imagen sale borrosa.
Óptico:
El foco es regulado por el usuario, pudiendo dar más importancia a un objeto en primer plano, o más atrás.
Digital:
Simula el anterior pero al hacer zoom en vez de tomar una imagen real y ampliarla, sólo agranda los píxeles. Resulta útil sólo como complemento del anterior.
Sistema de lentes intercambiables:
En los modelos más profesionales, el sistema de lentes imita a los de una cámara réflex profesional (análoga). Para cada tipo de toma se pueden usar distintos lentes a fin de sacar mayor provecho.

Tipos de cámaras para distintos usos

Bien, bien, a partir de aquí el viaje no tiene retorno. Este quizás sea el punto más crítico y donde hay que poner mayor atención: ¿Qué cámara es la más adecuada?

Antes de comprar una cámara digital, deberás saber que el asunto no es la marca, el precio o la sofisticación de sus componentes y accesorios. Al menos, no es el asunto más importante. Lo primordial es saber qué tipo de usuario eres.

Si el uso que darás a la cámara será tomar fotos de tus amigos y familia durante vacaciones, cumpleaños, etc., no necesitarás mucho, y las cámaras actuales son relativamente baratas mientras que cumplen y superan las expectativas.

Deberías comprar una cámara que pueda tomar varios tipos de fotos en forma automática, para obtener imágenes de calidad, grandes y sin volverte loco configurando el dispositivo.

En cambio, si quieres ir un paso más allá, y experimentar un poco con el arte, la estética y los efectos, puedes conseguir una cámara que imite los efectos de una reflex, para poder personalizar la forma de tomar las fotos manualmente y conseguir resultados creativos y diferentes.

Ahora bien, si quieres sacar fotos estilo “National Geographic”, irte de safari al África y publicar tus imágenes en una galería tamaño póster, lo que más te conviene es una “Reflex-digital”, donde lo único que cambia es que no usa rollo y la forma de la captura, pero tienen todos los efectos manuales, lentes y formas de trabajar de estas cámaras análogas profesionales.

Esto es todo por hoy, en las clases siguientes veremos qué tipos de efectos hay, cómo realizarlos y cómo conseguir tomas específicas dignas de un fotógrafo profesional.

Clase 3: Tomando fotografías

Bienvenidos a la tercer clase del Taller de Fotografía Digital. La clase de hoy será más bien teórica, e incluso puede que se queden con algunas dudas, pero no desesperen, a medida que avancemos en el taller aplicarán lo aprendido hoy con ejemplos prácticos.

La idea es que hoy afirmen tres conceptos clave en la fotografía: la Profundidad de Campo, la Distancia Focal y la Hiperfocal. Como les digo, estos conceptos seguramente terminarán de entenderse a medida que vayan practicando. ¡Comencemos!

Profundidad de campo

Cuando tomamos una fotografía a cierta distancia, veremos que hay elementos que salen “borrosos” y elementos que salen “nítidos”.

Generalmente, sobre todo con las cámaras digitales que posean lentes ajustables (estilo reflex), habrá una zona de la fotografía donde la imagen estará enfocada, si la hemos tomado correctamente, en el objeto tema (es decir, una persona o el elemento que hayamos querido destacar del resto de la composición).

El fondo podrá aparecer enfocado o borroso, lo mismo los elementos que se encuentren delante del tema.

La profundidad de campo es el espacio que aparece nítido en la imagen.

Al igual que si ponemos un dedo delante de nuestros ojos lo veremos borroso, nos pasará lo mismo con la cámara. A medida que vamos alejando el dedo lo vamos percibiendo cada vez más nítidamente. A partir de el punto donde lo veamos completamente enfocado comienza nuestra “profundidad de campo”.

Una regla es que cuanto más lejos esté situada la cámara del objeto tema, más nítido se verá incluso el fondo. Al igual que con nuestro dedo en el ejemplo anterior, ya si miramos un árbol al otro lado de una calle descubriremos que percibimos también con nitidez el resto de las cosas lejanas.

Es por esto que la fotografía de paisajes tiene gran profundidad de campo mientras que los macros (una toma muy cercana del tema, o un detalle del mismo) es muy acotada.

Distancia Focal

Se define la distancia focal como la existente entre el plano de la imagen y el plano de la óptica de la cámara, es decir la lente de la cámara, el objetivo.

La distancia focal depende de cómo haya sido construida la lente. Cuanto mayor es la distancia focal, más grandes son las dimensiones de la imagen que se forma en el foco. Veremos en detalle, más adelante, los tipos de lentes o acciones que modifican la distancia focal.

Distancia Hiperfocal

La distancia hiperfocal es la menor distancia a la que podemos enfocar un objeto. Es donde comienza la profundidad de campo.

Si logramos enfocar nuestro tema de esta forma, la profundidad de campo será bastante amplia.

Estos conceptos son clave pero a veces difíciles de entender la primera vez. No se rompan la cabeza tratando de comprender cada detalle porque la idea es tener esta clase como referencia para que cuando veamos ejemplos prácticos tengamos un fundamento.

Clase 4: Reglas fundamentales de composición

¡Hola a todos los alumnos del Taller de Fotografía Digital! ¿Tuvieron oportunidad de experimentar con lo visto la clase pasada? Hoy entraremos de lleno a la acción, dado que aprenderemos las reglas fundamentales en la composición de una imagen.

La idea es que estos conceptos les den una base sobre qué opciones tienen a la hora de tomar una fotografía, y qué puede generar hacerlo de una u otra forma. Por último aprenderemos a usar el visor para encuadrar las imágenes. ¿Comenzamos?

El encuadre

El encuadre es el acto de ordenar el espacio en la toma, de decidir qué objetos van a aparecer y qué no, etc. De esta forma podemos llevar la atención del espectador hacia un punto u otro, o generar sensaciones puntuales.

El motivo u objeto tema debe ser cuidadosamente seleccionado, pero además tenemos la opción de mostrar una sola parte del mismo, o decidir desde qué ángulo haremos la toma, además de cómo usaremos el espacio y los objetos circundantes.

De esta forma, imaginen que en una plaza de París hay un hombre paseando un perro con la torre Eiffel de fondo. Nuestras opciones serían: encuadrar sólo al perro, sólo al hombre, sólo al hombre y al perro, mostrar sólo la expresión jovial de la cara del hombre o mostrar todo incluyendo la torre Eiffel, en donde ya perdería importancia el hombre paseando al perro, sería una persona más de tantas en una foto turística de París.

Y hay infinitas tomas más que podríamos realizar, por ejemplo, de frente o de atrás, etc.

Obviamente el acto de tomar una fotografía no es el acto de reproducir la realidad exacta. En cada toma está incluida la visión del artista o fotógrafo. Es una mirada condicionada, con expresión que nos está diciendo algo.

4 tipos de encuadre

Una vez que elegimos el motivo, debemos elegir entre 4 posibles tipos de encuadre:

Horizontal (foto “apaisada”): Es la forma más común para los paisajes. Suele producir una idea de espacio y serenidad, estabilidad y dirección. No debemos abusar de este tipo de encuadre sino probar otros.
Vertical (foto “retrato”): Es el más adecuado para las tomas de retratos de medio cuerpo, cuerpo entero, rostro o primer plano y también para capturar objetos puntuales con verticalidad (una torre, un poste de luz, lo que sea). Produce sentimiento de fuerza y le da más poder a las diagonales.
Es muy usado en publicidad, adecuándose fácilmente al formato de la hoja de una revista, tapa de un libro, etc.
Cuadrado: Es un formato menos usado, transmite una idea de quietud, de objeto estático. Proviene de las fotos Polaroid (instantáneas de 6×6 cm) pero puede lograrse en digital recortando la imagen, obviamente.
Panorámico: Es un formato que se viene usando hace mucho sin perder originalidad. Ideal para paisajes (naturales o urbanos), precisa que elijamos el motivo o tema cuidadosamente.

A tener en cuenta:

Si situamos el motivo siempre en el medio, le daremos una sensación de estático poco atrayente. Si lo desplazamos hacia un lado, la falta de simetría hará que el ojo humano ponga atención en él.

Para destacar los detalles del objeto tema conviene buscar, de ser posible, un fondo uniforme.

El encuadre es muy importante, no caigamos en el error común de fotografiar siempre el motivo entero. Noten lo usual y atrayente que resulta ver en revistas una foto del rostro de una persona con la frente cortada.

Usando el Visor de nuestra cámara digital

Dependiendo de la luz ambiente nos convendrá usar el visor digital (pantalla LCD de la cámara) o el visor normal.

¿Cómo es esto? Sencillamente, si por ejemplo, estamos en una playa, un día de verano, con el sol brillando como nunca, es probable que no veamos bien lo que estamos fotografiando. Lo que debemos prever es que el visor “normal” no es exacto.

¿Qué hacer en estos casos?

Una buena idea es prepararse antes de salir y realizar un par de capturas en interiores, comparando la imagen de la pantalla con la del visor. Así podremos establecer qué variaciones hay, generalmente la fotografía suele captar un rango más amplio que lo que vemos a través del visor.

Teniendo una idea aproximada no habrá inconvenientes a la hora de usarlo en días de luz excesiva.

En todos los demás casos recomiendo el uso de la pantalla, y siempre, para chequear que hayamos hecho una buena toma.

Clase 5: La importancia del Fondo

¡Hola, alumnos! ¿Están listos para otra clase del Taller de Fotografía Digital? Hoy aprenderemos la importancia del fondo en la fotografía, cómo actúa resaltando o no el motivo a fotografiar y qué recursos tenemos para perfeccionar la toma.

Recuerden que es muy importante que vayan practicando todo lo aprendido, estoy tremendamente convencido que la mejor manera de aprender es sacando infinidad de fotos. De esta forma el ojo se va entrenando y notaremos grandes avances.

El fondo, en fotografía, es tan importante como el motivo u objeto tema. Hay veces en que no podemos preparar o elegir el fondo porque estamos tomando una fotografía “documental” de algo que está sucediendo en un instante determinado y no se repetirá luego.

Pero en los casos que podamos tomarnos unos minutos para pensar la composición, debemos prestar mucha atención al tema del fondo, ya que este va a influir de manera determinante en el resultado final y en las sensaciones que provoque en el espectador.

Elegir el tipo de fondo

Esto es a veces subjetivo, porque tiene una cierta cuota artística, pero sí hay cuestiones obvias que no podemos ignorar.

Tanto la fotografía como el diseño comparten un mismo criterio: la síntesis de la imagen.

La idea es presentar una idea de forma clara y comprensible. ¿Cómo se relaciona esto con el fondo de una imagen? Simple. Un fondo uniforme y contrastante con el objeto tema nos ayudará a resaltarlo. Un fondo abarrotado de elementos harán que lo que queremos destacar se pierda.

Fíjense los siguientes ejemplos:

No es necesario que el fondo sea un pleno de color, es decir, puede haber otros elementos, pero siempre debería haber una clara diferenciación del objeto tema.

¿Qué hago si no tengo opción? Bueno, en estos casos un buen truco es cerrar el encuadre de manera que casi no se vea el fondo y que el motivo ocupe toda la imagen. Este recurso es ideal para fotografiar personas.

Fondos resaltados o difusos

Algo muy utilizado cuando queremos resaltar nuestro motivo es difuminar el fondo, o sea, hacer que se vea borroso. ¿Cómo logramos esto? De varias maneras:

Subiendo el grado de “Exposición” desde el menú de configuración de tu cámara digital.
En las cámaras símil-reflex puedes abrir el diafragma un poco más (veremos el uso del diafragma en las clases siguientes).
Siempre ayuda acercarte al motivo, de esta forma, al hacer foco en él se desenfocará el fondo (si no está muy “pegado” al objeto o persona).

De nuevo les dejo unos ejemplos para que aprecien el uso de este recurso:

Clase 6: Manejo de la luz

Bienvenidos a la sexta clase del Taller de Fotografía Digital. ¿Les están sirviendo mis consejos? Espero que sí, hay mucho más por aprender todavía. En esta clase veremos cómo puede afectar la luz a la fotografía y cómo manejarla adecuadamente.

La luz es un factor clave que nos permitirá sacar fotos nítidas, o artísticas, por ejemplo, si queremos lograr algún efecto específico. Sabiendo las “reglas” de la exposición, podremos seguirlas o saber exactamente la mejor manera de romperlas.

Exposición correcta

Como ya vimos, la fotografía se trata de captar una imagen por luz. Dependiendo de la cantidad de luz ambiente que haya, la imagen saldrá más o menos nítida. Este fenómeno se conoce como la “exposición”, es decir, el tiempo que la película pasa “expuesta” a la luz.

En el caso de la fotografía digital la luz cae, como ya vimos en clases anteriores, sobre dispositivos digitales que interpretan la imagen y la convierten a píxeles.

Una foto puede estar “subexpuesta” o sobreexpuesta” si ha recibido más o menos luz de la necesaria, provocando que la imagen se vea muy oscura o muy clara, perdiendo detalles.

La exposición es regulable, las cámaras digitales de hoy en día cuentan con un dispositivo que mide la luz ambiente y ajusta automáticamente la exposición. Además podemos usar el Flash para agregar luz por la noche, pero a veces aún así no es suficiente.

Incluso en la playa o en la nieve, que reflejan mucho la luz del sol, puede que las fotos nos salgan sobreexpuestas debido a la cantidad excesiva de luz que entra en la cámara.

Para evitar estos problemas podemos ajustar manualmente la exposición de la cámara.

Esto se logra desde el menú de configuración. Si subimos el nivel de exposición la cámara captará más luz y viceversa.

Piensen que quieren tomar una foto del reflejo de la luna en el mar, de noche. El Flash no llega a iluminar el mar (qué obvio, jeje). Pero si aumentamos la exposición, entrará más luz en la cámara y de esa forma captaremos la imagen correctamente.

Lo mismo si estamos en algún lugar que tiene una interesante luz propia (una luz de color, el ámbar de una lámpara, etc). Es que si usáramos el Flash “mataríamos” esa luz.

vean el siguiente ejemplo de fotografías nocturnas que conservan el color y el detalle:

Lo mismo un día de radiante sol, bajando la exposición la foto saldrá más nítida, aquí otro ejemplo:

Sin ajuste.

Con ajuste.

Un elemento importante que encontramos en muchas cámaras es el Fotómetro. Su función es medir la luz, indicando los ajustes manuales que necesitamos hacer para tomar “la foto perfecta”.

De todas formas, en fotografía artística, a veces lo que no es “exacto” es lo que funciona mejor. ¿Vieron alguna vez esas fotos de una carretera de noche donde los autos dejan el rastro de la luz? Eso es muy fácil de lograr, de hecho veremos cómo hacerlo la clase que viene.

Para terminar les dejo una especie de “truco”, un recurso muy usado en la fotografía.

Les va a pasar que en algún momento lo que quieran fotografiar esté en contra de la dirección de la luz del sol.

Esto hará que la luz pegue de lleno en la cámara, sobreexponiendo la imagen y, encima, el objeto tema saldrá súper oscuro, porque su “cara iluminada” será exactamente la opuesta a la que estamos tomando.

Para solucionar esto podemos bajar un poquito la exposición y usar el Flash, aunque sea de día, sí. La baja exposición contrarresta la luz excesiva y el flash ilumina la cara del objeto tema o persona que queremos destacar. ¡Listo! Les dejo un ejemplo también.

Clase 7: Velocidad y movimiento

¡Hola, mis queridos alumnos! Bienvenidos, una vez más al Taller de Fotografía Digital. La clase pasada vimos cómo ajustar la exposición y cómo manejar la luz ¿recuerdan? El tema de hoy está un poco relacionado, porque también tiene que ver con la luz.

Así es que hoy ap-renderemos cómo capturar fotos nítidas de objetos en movimiento, ajustando la velocidad de obturación. Verán que además se pueden lograr efectos artísticos muy interesantes con este recurso. No perdamos más tiempo ¡comencemos!

La velocidad de obturación

No es nada más y nada menos que el tiempo (fracciones de segundo) que se abre el obturador para dejar entrar luz en la cámara y así captar la imagen de la fotografía.

Cuando tomamos una fotografía en modo normal o “automático” lo hacemos con una velocidad de obturación estándar. Pero esta se puede modificar para hacer más rápido o lento el proceso, lo que provocará que entre más o menos luz.

¿Cómo influye la cantidad de luz en una fotografía?

Los dispositivos que capturan la imagen (al igual que lo hacen los rollos de fotos de las cámaras no digitales) suman la luz que reciben. ¿Qué significa esto? Que la cantidad de “luminosidad” que haya en una imagen se irá acumulando hasta llegar a un punto en donde haya tanta luz que no se vea nada (el famoso “velado”).

Imaginen que tienen una hoja de papel escrita. Sobre ella pasan una delgada capa de pintura con alguna acuarela. Luego otra. Y otra.

Al principio la pintura será semi transparente, dejando ver algo de lo escrito en la hoja. Con las sucesivas capas de pintura posteriores llega un momento en donde hay tanta cantidad de pintura que ya no se ve lo que hay debajo.

Eso es exactamente lo que pasa cuando entra una cantidad excesiva de luz a la cámara. La clase pasada vimos esto mismo cuando tocamos el tema de la exposición ¿recuerdan?

De esta manera, otra forma de tomar fotos de noche sin flash es bajando la velocidad de obturación, para captar más luz. Pero también hay un efecto interesante que se puede lograr con este recurso: captar el rastro de la luz.

Como ahora sabemos, la luz “se suma” como la pintura sobre la hoja de papel que pusimos como ejemplo. Así es que todo lo que se mueva y emita o refleje luz dejará su rastro en la imagen. Esto es muy usado por los fotógrafos profesionales para generar “fotos artísticas”.

Veamos algunos ejemplos:

Este efecto es muy fácil de lograr, sólo “dibujamos” en el aire la forma con una linterna o similar.

El movimiento en la fotografía

Acelerando o ralentizando la velocidad de obturación podemos lograr cosas interesantes y captar hasta cierto punto el movimiento. Un objeto que se mueva muy rápido puede salir súper nítido si subimos bastante la velocidad de obturación, o si preferimos que quede un rastro de movimiento podemos hacer lo contrario.

Les resultará conocido ver fotos de carreras de autos o caballos donde si bien el objeto iba a una velocidad sorprendente, salió como si estuviera detenido, con mucha nitidez.

Nota importante: para conseguir este efecto debes seguir con la cámara el recorrido que viene haciendo el objeto, acompañándolo con la vista (a través de la cámara) y cuando esté donde quieres, sacas la foto, sin dejar de “seguirlo”. Nunca falla .

Otro caso es una foto donde se ven casi congeladas las gotitas de una ola, la obturación fue tan rápida que no captó rastro de movimiento.

Veamos más ejemplos de esto:

También en lugares que sobreexpondrían la imagen por gran cantidad de luz podemos subir la velocidad de obturación como método alternativo al visto en la clase anterior.

Espero que practiquen estos efectos, luego me cuentan cómo les fue. ¡Y no olviden dejarme sus dudas o comentarios!

Clase 8: El uso del diafragma

¡Hola! Bienvenidos a la octava clase del Taller de Fotografía Digital. Hoy veremos el uso de un dispositivo que sólo encontraremos en las cámaras profesionales: el diafragma.

El diafragma permite regular la cantidad de luz que entra en la cámara y la profundidad de campo también. Propio de las cámaras digitales que imitan a una reflex, los que no cuenten con él podrán usar las técnicas vistas en clases anteriores para manipular la luz y la profundidad de campo. ¡Comencemos!

¿Qué es el diafragma?

Hace varias clases venimos hablando del ajuste de la cantidad de luz que entra en la cámara, ya vimos que podemos configurar el nivel de exposición para lograr esto.

Pero aún así, las cámaras digitales profesionales que “imiten” en su arquitectura a las cámaras reflex incluirán un dispositivo extra que permite regular mecánicamente la cantidad de luz entrante: el diafragma.

Imaginen al diafragma como una puerta que ustedes pueden dejar abierta de par en par, dejar entrecerrada o casi cerrada del todo. Obviamente a mayor apertura entrará más luz en la fotografía y viceversa.

Midiendo la apertura del diafragma

Actualmente se mide con una escala que marca la cantidad de luz que entrará en la cámara:

f/1 - f/1.4 - f/2 - f/2.8 - f/4 - f/5.6 - f/8 - f/11 - f/16 - f/22 - f/32 - f/45 - f/64

Lo más abierto que puede estar un diafragma es en f/1 y lo más cerrado, obviamente es en f/64.

De todos modos lo normal es usarlo entre f/4 y f/22.

Para situaciones en donde hay poca luz ambiente, el diafragma necesitará estar muy abierto, para permitir que entre luz suficiente al sensor. Usar una apertura de f/2 o f/5.6 sería lo adecuado.

Cuando tomamos fotografías en exteriores en días soleados con mucha luz el diafragma necesita estar bastante cerrado para que entre poca luz al sensor y la imagen no se sobreexponga. Una apertura de f22 o f32 estaría bien.

Para dejarles un último consejo, practiquen, saquen la misma foto varias veces, con aperturas distintas, hasta que se les acostumbre el ojo a la apertura necesaria para cada tipo de iluminación.

El diafragma domina la nitidez de la imagen

¿Es posible tener una imagen más o menos nítida según la apertura del diafragma? ¡Sí! (^_^)

En este complicado pero inmejorable dibujo explicativo pueden ver cómo funciona este sistema (o ley de la física). Cuanto más abierto el diafragma menos nítida la imagen y viceversa.

Esto está súper relacionado con lo que vimos la tercera clase ¿se acuerdan? (si no se acuerdan hagan clic en el enlace desde el panel de la derecha y reléanla ^_^). Está ligado al concepto de la Profundidad de Campo.

Si el diafragma está muy abierto la profundidad de campo será muy pequeña y si está más cerrado tendremos una gran profundidad de campo.

Con el diafragma más abierto tendremos poca profundidad de campo.

Con el diafragma más cerrado tendremos más profundidad de campo.

Eso es todo por hoy. Los que no tengan diafragma en sus cámaras (somos la mayoría) pueden valerse de los recursos que vimos en clases anteriores.

Clase 9: Filtros de efectos especiales

¡Hola, bienvenidos al Taller de Fotografía Digital! Hoy conoceremos qué son y para qué sirven los Filtros, que nos permitirán lograr efectos interesantes, resaltar colores o tan sólo proteger la lente de la cámara.

Es importante que sepas que sólo las cámaras digitales que imiten a las Réflex pueden llevar estos dispositivos, pero no se preocupen porque con cualquier programa de retoque de fotografías podremos imitar estos efectos. (¡Les recomiendo ver el taller de Photoshop!).

Tipos de Filtros

De acuerdo a su forma, podemos encontrar filtros de rosca, que se enroscan (valga la redundancia) en el objetivo. Es muy importante conocer el diámetro del mismo para que coincidan.

También están los que se sujetan “a bayoneta” o sea que van encastrados. De nuevo es importante el tamaño.

Por último, hay un dispositivo llamado portafiltros, donde se pueden intercambiar varios filtros (especiales para esto) con el fin de combinar efectos.

Un filtro para cada utilidad

Filtros protectores
También conocidos como “UV”. La única finalidad de esta clase de filtros es proteger la lente de eventuales golpes, polvo, arañazos, etc. Si son de buena calidad no perderemos nada de luminosidad en la imagen.Debemos saber que muchos fotógrafos no los prefieren, porque pueden restar calidad a la imagen.
Filtros polarizadores
Básicamente se usan para realzar colores determinados, o para lo contrario. Por ejemplo, con un filtro para el color azul podemos mantener el aspecto de toda la imagen pero resaltando el azul del cielo, o haciéndolo más apagado si tenía demasiada luz.
También sirven para reducir el reflejo molesto de la luz en alguna superficie brillante.
Filtros de densidad neutra
Sirven para reducir la cantidad de luz entrante, sin alterar el contraste y la nitidez de la imagen. Para que entiendan la finalidad les explicaré en qué casos son muy usados:
Supongamos que ponemos nuestra cámara sobre un trípode y enfocamos una pequeña cascada. Entonces bajamos el tiempo de exposición (esto lo vimos la clase pasada) para captar el “movimiento” del agua. El resultado será una de esas fotos donde el agua parece una nube de humo.
Ahora bien, si no usáramos un filtro de densidad neutra, la cantidad de luz podría “quemar” la foto.
Filtros de colores
Generan muy buenos efectos, dejando pasar sólo un color determinado (lo que nos dará una foto donde predominará ese color, una foto toda verde, azulada, etc).

Los filtros son muy útiles para generar este tipo de efectos. Con algunos programas de retoque de imágenes podemos lograr efectos similares, de modo que los que no tengan su cámara “digital-réflex” ¡no desanimen! (Vean el taller de Photoshop, jejeje ^_^).

Clase 10: Eliminar los “ojos rojos”

¡Bienvenidos, alumnos! ¿Dispuestos a tomar otra clase del Taller de Fotografía Digital? La clase pasada vimos el uso de los filtros para generar ciertos “efectos”, algunos de ellos en exteriores. Hoy veremos cómo evitar los famosos “ojos rojos” de las fotografías con flash.

Muchas veces se arruinan verdaderas obras de arte por este efecto, dejendo a la/el modelo listo para trabajar en una peli de vampiros. ¿Cómo evitamos los ojos rojos? Hay varios consejos que tengo para darte, comencemos.

En realidad este molesto efecto se produce por culpa del flash y es más destacado en las cámaras compactas. Cuando necesitamos del uso del flash suele ser en situaciones en las que la iluminación es escasa. Cuando esto es así, las pupilas de nuestros ojos están dilatadas para captar una mayor cantidad de luz. Es esto lo que produce que el fogonazo de luz que disparamos con nuestra cámara entre dentro de la estructura del ojo, tope con los vasos sanguíneos de la retina (de color rojo, claro) y se refleje. Por lo tanto nuestra cámara hace una bonita foto del interior los ojos.

En realidad se trata de un problema con fácil solución, puedes:

Elevar el flash por encima del objetivo (por este motivo es un efecto destacado en las compactas, ya que ambos instrumentos estan muy juntos).
Apartar el flash hacia un lado (si el flash no incide de manera frontal se minimiza la probabilidad de que aparezcan los ojos rojos).
Utilizar el modo ojos rojos si lo tiene tu cámara. Se trata simplemente de un primer fogonazo que hace que las pupilas se contraigan para disparar a continuación el flash con el que se hace la foto. Esta opción tiene la particularidad de que tus amigos acostumbran a moverse después del primer flash ya que piensan que ya has tomado la foto.
Utilizar un software específico para quitar este indeseable efecto o pasar un rato entretenido con tu Photoshop. Aunque siempre es preferible evitarlo a priori.

Clase 1: Fotografías en exteriores1

¡Hola, bienvenidos al Taller de Fotografía Digital! Hoy veremos algunos consejos para tomar buenas fotografías en exteriores. Si quieren pueden enviar los enlaces a las fotos que vayan sacando si las subieron a Flickr, por ejemplo, o a sus blogs.

Salvo algunos casos puntuales, la fotografía de exteriores o de paisajes nos da la posibilidad de tomarnos el tiempo necesario para encontrar el encuadre justo y preparar la cámara sin estar a las corridas, de modo que ¡Toma tu cámara y sal de cacería!

Antes de comenzar, les recomiendo que no usen el zoom en lo posible, sino que se acerquen lo más que puedan al objeto tema.

Si quieren trabajar en modo automático, pues basta con elegir la opción de “paisaje”. En modo manual les conviene abrir poco el diafragma (o bajar el nivel de exposición) para tener buena profundidad de campo y resaltar el tono de los colores.

Manejo de la luz en exteriores

Ya vimos cómo manejarnos con la luz en general, lo que ahora veremos será el tipo de luz según las condiciones del tiempo que nos puedan tocar el día de la sesión fotográfica.

En un día nublado:
La ventaja de que nos toque un día nublado es que la luz del sol se dispersa y filtra a través de las nubes, provocando una iluminación uniforme y bien repartida, ideal para que no se nos “queme” la foto o que salga con muchos contrastes.

Pero también tiene sus contras, si queremos captar un objeto con los colores bien saturados tal vez necesitaremos un filtro. Y hay que tratar de no captar un gran porcentaje del cielo, que será prácticamente la “fuente de luz”, porque sería como fotografiar el sol directo.

En un día de sol:
En estos días la luz será cenital, dando un buen contraste de colores, luces y sombras. Pero al mediodía no es un buen momento para nuestra sesión fotográfica, porque los rayos del sol caen en línea recta desde arriba, “achatando” las variaciones tonales de un objeto tema.

Fuera de esto podemos obtener fotografías muy buenas, aprovechando la luz, el contraste y el brillo de los colores, sin perder detalle en las sombras (usando el truco del flash en días soleados, como vimos en clases anteriores ).

Una tormenta perfecta:
Para captar las típicas fotos de rayos cayendo de un cielo tormentoso, sólo tienes que enfocar tu lente al infinito, con el diafragma bien cerrado y bajar el nivel de exposición (ISO) lo más posible, mientras que dejas el tiempo de exposición en “manual” o con una velocidad de obturación súper lenta.

Y claro, los rayos caen cerca uno de otro, sólo tienes que apuntar un rato y esperar ^_^.

Consejo para retratos en exteriores:

Una técnica profesional es poner una tela o pantalla traslúcida a modo de “techo” entre la persona que vas a retratar (sirve también con objetos) y el sol, de modo que simules el “efecto día nublado” con luz difusa y uniforme.

Un tema que veremos en una clase aparte son las diferentes opciones de composición que podemos usar al tomar una fotografía en exteriores.

Clase 12: Fotografías nocturnas

¡Hola, bienvenidos a otra clase del Taller de Fotografía Digital! La clase pasada vimos cómo tomar correctamente fotografías en exteriores, algo que es muy útil y bastante usado en la fotografía profesional (claro, es un recurso muy bonito).

Hoy aprenderemos los trucos para captar esas tomas nocturnas que tanto aportan a la fotografía artística y documental. Por otro lado, sirve hasta para captar con nitidez una salida en familia, con la pareja o amigos/as. ¿Qué estás esperando?

Más allá de una obviedad, decir que tomar una foto de noche es diferente a hacerlo de día se refiere a que habrá ciertas cuestiones a tener en cuenta, sobre todo relativas a la luz, para obtener una buena imagen:

Habrá muchos contrastes entre las luces brillantes de faros y lámparas y la oscuridad de las sombras.
En algunos casos directamente no tendremos la luz necesaria para captar una imagen nítida.
Dependiendo de la técnica que usemos para tomar fotografías nocturnas, necesitaremos algún accesorio, como un trípode o flash especial.
Nos llevará más tiempo preparar una escena, o bien capturar la imagen.
Habrá zonas con “ruido” en la foto, debido a las exposiciones prolongadas y la poca intensidad de la iluminación.
Los objetos o temas cobran un carácter diferente, que a veces puede dar idea de “misterioso”.

Esto no es que sean desventajas, sino cosas que hay que saber para aprovecharlas o saber manejarlas.

¿Cuál es la mejor hora para tomar una “fotografía nocturna”?

Por raro que parezca, el mejor momento es antes de que se haga de noche. Me refiero al momento en que el sol se puso, pero aún queda el cielo un poco iluminado. De esta forma la luz ambiente nos permite captar detalles que un poco más tarde no se podrán distinguir.

La “Hora Azul”

Así se conoce al momento en que el cielo se vuelve de un azul intenso, antes de ponerse casi negro. Es muy útil para contrastar el cielo, por ejemplo, con alguna persona, edificio o monumento, por el efecto que produce.

Aullando a la Luna

Ya sé que quieres sacar la típica foto de la Luna y no sabes cómo hacerlo. Para que no te quede una motita blanca en un plano negro, usa un teleobjetivo o zoom óptico de largo alcance y baja el nivel de exposición hasta que la Luna salga con detalles.

Todo el mundo tiende a hacer lo contrario, a subir la exposición, para captar más cosas “de noche”. Nada de esto, sacarle una foto a la Luna es como apuntar a una linterna en medio de la oscuridad, estamos hablando de un objeto que refleja luz.

Con una cámara digital es mucho más fácil regular los parámetros de catura de luz, etc. Sólo tenemos que fijarnos en el visor cuando salga “bien” la imagen.

Ya vimos en clases anteriores cómo podemos usar el flash para iluminar objetos cercanos, pero ¿qué hay de un fondo oscuro?

Bueno, en esos casos podemos aumentar el tiempo de exposición y sacar la foto con un “flash de relleno”.

La luz del flash dejará nítido el objeto o la persona, mientras que por ganancia de luz el fondo se irá aclarando.

Después de una buena sesión podemos tratar las imágenes con Photoshop, para dejar mejor iluminadas y nítidas esas zonas oscuras (clic aquí para ver cómo).

Por último, algunas cámaras contarán con la opción de ajuste de “balance de blancos” para corregir los defectos de color que producen las lámparas de tungsteno, tubos fluorescentes, etc.

La idea es que de noche, si quieres captar esa clásica luz anaranjada, dejes todo como está, pero si no, pongas el ajuste en “tungsteno”, lo que corregirá el aspecto del color.

Clase 13: Exposición Múltiple

¡Buenas para todo el mundo! Otra clase del Taller de Fotografía Digital, hoy aprenderemos qué es y para qué sirve una exposición múltiple. La idea general es que lograremos sacar dos fotos en una, pudiendo variar lo que aparece en la toma, o repetirlo.

Esta técnica es propia de la fotografía “clásica” donde se manipulaba el rollo (negativo) o la luz a la hora de realizar el revelado. Por suerte algunas máquinas digitales modernas ya incluyen esta opción. Para los que no cuenten con ella, siempre les queda Photoshop ;).

La exposición múltiple es un término que tiene su origen en la fotografía tradicional (con rollo de película), donde se tomaban dos o más fotografías en un mismo fotograma (o sea, sin “correr” la película).

El resultado era una sóla foto con la mezcla de las dos capturas (como si pusiéramos dos negativos uno sobre el otro a la luz).

Hoy en día algunas cámaras digitales profesionales incluyen una opción de exposición múltiple, superponiendo dos capturas distintas.

De todas formas veremos que se puede hacer este efecto con la ayuda de Photoshop sin ningún tipo de problema y sin necesidad de saber diseño ni nada.

Veamos las posibilidades:

Si sacamos dos fotos con el mismo encuadre tendremos una imagen nítida, apenas un poco más brillante (dado que se suma la luz de la primera toma con la de la segunda).Un ejemplo:

De la misma forma, si tomamos dos veces la “misma fotografía” pero en una tenemos una vela en la parte derecha y en la otra la corrimos a la izquierda, el resultado final será una imagen que mantendrá el aspecto de todo lo demás menos de la vela, que saldrá duplicada (una vez por cada toma).

Cómo hacerlo con Photoshop

Si no disponemos de este efecto incorporado a nuestra cámara digital, podemos recurrir al Photoshop:

Abrimos las dos fotos (separadas) que tomamos.
Sobre una de ellas hacemos Ctrl+A y luego Ctrl+C. Con esto habremos seleccionado toda la imagen y copiado su contenido.
Ahora vamos a la otra (la imagen anterior podemos cerrarla).
Hacemos Ctrl+V. Con esto se “pega” la imagen que habíamos copiado sobre la actual.
Ahora vamos al panel capas y elegimos una fusión “Trama”.

Nota: Debemos asegurarnos que estamos “parados” sobre la capa superior (capa 1).
¡Listo! Sólo resta que guardes el archivo como una imagen jpeg o como más te guste (recuerda que se acoplarán las capas).

Bueno, para inspirarte te dejo algunos ejemplos más de los resultados de la exposición múltiple.

Clase 14: Errores comunes en la fotografía

¡Hola! ¡Bienvenidos al Taller de Fotografía Digital! ¿Están practicando? ¡Espero que sí! La clase de hoy la dedicaremos a aprender a detectar cuáles son los errores más comunes de un fotógrafo amateur y cómo podemos evitarlos o lograr un trabajo “profesional”.

Si tomamos un álbum de fotos de la casa de un amigo o familiar, seguro veremos muchas fotos que están “mal sacadas”, donde salen ojos rojos, o aparece el flash, están muy oscuras, muy claras o incluso borrosas. La idea es que a uds. no les pase esto ^_^.

Errores comunes en la fotografía

Ojos rojos
Ya le dedicamos una clase a este factor, por lo que brevemente repasemos que:
- No hay que apuntar el flash directo a la cara de las personas.
- Podemos usar el llamado “flash de relleno” para que las pupilas de la gente se cierren antes de la captura de la imagen.
- En retratos profesionales, podemos filtrar la luz con una sábana o pantalla.
Foto “movida”
La foto movida no es una nueva tendencia a seguir ^_^, sino el efecto logrado por un mal pulso, o simplemente porque el entorno no estaba quieto (por ejemplo, la típica foto arriba de una montaña rusa).
Para solucionar esto ya vimos que aumentando la velocidad de obturación lograremos captar nítidamente objetos en movimiento. Pero esto supone una foto más oscura, porque no llega a captar tanta luz. De día a pleno sol no habrá problemas. De noche te recomiendo subir la ISO (el nivel de exposición o la luz entrante en tu rollo de fotos virtual) o ayudarte con el flash.
Foto “borrosa”
La principal causa es un mal enfoque. Pero en cámaras digitales “símil-reflex” esto dependerá de si has abierto mucho o poco el diafragma. Un diafragma más cerrado te dará un campo de nitidez más amplio mientras que un diafragma más abierto, lo contrario (si no recuerdas bien de qué estoy hablando, haz clic aquí para ver la clase de diafragma o aquí para ir a la de distancia focal).
El hecho de que haya más o menos luz influye mucho, sobre todo en las cámaras digitales con enfoque automático. Una buena iluminación es clave, si no deberías subir la ISO o la exposición.
“…De pronto ¡FLASH! la chica del bikini azul…”
Más allá de ser una conocida canción, el hecho de que salga el reflejo o resplandor del flash en una foto es algo muy molesto. Esto sucede mucho cuando apuntamos directo a superficies brillantes, metalizadas, vidrios o hasta los anteojos de las personas (si se trata de un primer plano).
Este caso es similar al de los “ojos rojos”, deberíamos tratar de desviar el flash del objeto tema lo suficiente como para iluminarlo sin darle de lleno, o recurrir a otras técnicas para ganar luz (sí, claro, todas las que acabamos de ver).
La foto “quemada”
En la playa o en la nieve, con mucho sol, nos sale demasiado claro el fondo y muy escuras las personas. Ya vimos esto, la solución en cerrar un poco el diafragma (o bajar el nivel de exposición) y sacar la foto con flash.
La foto “oscura”
Es uno de los errores más tontos y uno de los que más se da. ¡A usar el flash! Y si no, a subir el nivel de exposición .
Lo importante
¿Qué es lo más importante que queremos mostrar? A veces incluimos elementos que no aportan a la imagen. Deberíamos cuidar de realzar el objeto tema, evitando lo que no hace a la idea principal.

Bueno, amigos, esta es sólo una pequeña lista, podríamos seguir así durante horas, pero creo que aquí está lo más importante.

Si alguno de uds. tiene algún error o consulta no duden en dejar sus comentarios.

Clase 16: El flash

¡Bienvenidos a otra clase del Taller de Fotografía Digital! Hoy veremos los distintos tipos y usos del flash. Este dispositivo es de gran ayuda, teniendo en cuenta que la fotografía consiste en capturar la luz para obtener una imagen.

Así es que la función primordial de este aparato es agregar luz a nuestra toma cuando haga falta. Pero hay que saber usarlo, tanto de día como de noche, en interiores y exteriores podemos lograr diferentes efectos según queramos. Veamos cómo.

El flash en la fotografía digital

Hay dos tipos de flash: los que vienen incorporados a la cámara y los independientes, que podemos agregarlos a nuestro dispositivo.

En general, el flash que viene incorporado nos alcanzará para tomar una amplia gama de fotografías de noche o de día.

Sin embargo, para trabajos súper profesionales podemos usar un flash externo, cuidando siempre de llevar nuestra cámara a la tienda fotográfica para asegurarnos de que el flash que compremos sea compatible.

Hecha esta aclaración, podemos empezar a ver los distintos casos donde es recomendable el uso del flash.

Uso normal

Antes que empiecen a los gritos, les concedo que todos los usos del flah son “normales” jejeje, pero me refiero a lo más común. En este caso estamos hablando de situaciones donde hay poca luz ambiente, en las que necesitamos una ayuda extra para que la fotografía no salga toda negra.

Esta situación puede darse tanto de noche como de día en lugares cerrados. Pero ya vimos que a pleno sol hay elementos que se oscurecen, por lo que usar un flash “de relleno” suele ser ventajoso.

No olvidemos que el flash tiene un alcance de poco más de tres metros, por lo general, así que si queremos ganar luz al capturar un objeto distante, lo mejor será usar otras alternativas (nivel de exposición, apertura del diafragma, velocidad o hasta reflectores, si se trata de una toma muy profesional).

Agregando luz a un primer plano
¿Qué pasa de noche, cuando queremos sacarle una foto a unos amigos pero conservar el color de la luz de fondo?

Si no usamos flash el fondo saldrá iluminado y nuestros amigos (que están en un primer plano) en completa oscuridad.

Usando el flash nuestros amigos saldrán bien iluminados, pero el contraste hará que el fondo salga muy oscuro o desaparezca.

La solución en este caso (hay varias, algunas ya las podrán deducir con lo que aprendimos hasta hoy ^_^) puede ser tomar la foto usando un flash de relleno y reduciendo la velocidad de exposición. De esta forma obtendremos una iluminación uniforme en toda la imagen.

Esta es una buena solución pero requiere de buen pulso, como toda fotografía con mayor tiempo de exposición. O puedes usar un trípode o poner la cámara sobre algún elemento rígido (una mesa, una piedra, etc).

Preparen… apunten… ¡fuego!
El flash se dispara y nos deja cegados por unos momentos. Por esto, si estamos sacando una foto con flash y apuntamos directo a la cara de nuestros modelos o a superficies que puedan reflejar la luz (vidrios, plásticos, metales, espejos, etc.) tal vez obtengamos el “efecto vampiro” o se nos vele la foto.

La forma de evitar esto es con nuestro amigo (¡adivinaron!) el flash de relleno ^_^. Pero aún con cualquier tipo de flash hay que saber que la mejor forma de usarlo es no apuntar directamente al objeto tema, sino un poco al costado o arriba.

Por hoy llegamos hasta aquí. Practiquen mucho usando el flash.

Clase 17: Retratos

¡Hola, bienvenidos al Taller de Fotografía Digital! Imagino que habrán practicado bastante en esta semana, jeje. ¿Algún problema o duda respecto del uso del flash? ¿No? Bueno, entonces podemos seguir con el siguiente tema: el retrato.

Muchas de las cosas que vimos hasta hoy nos servirán para mejorar nuestras tomas. Pero aún tenemos que tener en cuenta ciertas normas para lograr un buen retrato. No basta con que haya salido “bien” la imagen, sino que también debe ser interesante, atractiva.

El retrato en la fotografía digital

Un retrato no es sólo la típica foto del rostro de una persona o su primer plano, sino también puede ser un detalle de sus manos u otra cosa que nos parezca interesante.

Centrándonos en las personas, podemos decir que como primer medida es importante que se les vea bien, para lo cual tendremos que prestar atención a dos cosas: el sujeto y el fondo.

Comenzando por lo más simple, el fondo debería ser lo más uniforme posible y no estar abarrotado de matices, objetos y formas que distraigan la vista del sujeto.

Para lograr esto un recurso muy usado (además de poner al sujeto contra una pared o contra el cielo ^_^) es desenfocar el fondo. Esto lo podemos lograr abriendo el diafragma y haciendo zoom en el sujeto o simplemente con un fondo alejado, jejeje.

Yendo a lo más complicado, que es el modelo a retratar, podemos decir que un factor determinante será la iluminación, tanto la luz ambiente como la artificial (lámparas, pantallas y/o el flash.

En un rostro son muy importantes las formas y los relieves. Una luz lateral nos dará un muy buen resultado, mientras que usar una luz frontal derivará en un efecto de “cara plana” (además de que vamos a dejar “ciega” a la modelo durante un par de minutos).

A veces, para dar más importancia a la cara de la persona no hay que centrarla en la imagen, compositivamente hablando, sino que puede funcionar muy bien situarla a un costado e incluso cortar una pequeña parte de la misma (¡ojo! no abusar de este recurso). También hay que cuidar que lo que queda bien es que el/la modelo mire hacia el lado que queda libre y no al revés.

En los primeros planos, hay que evitar cortar el cuerpo por las “partes dolorosas” ^_^. Esto es casi una cuestión psicológica del diseño: nunca cortes un retrato por el cuello, el estómago, la ingle, las rodillas ni los tobillos.

Para ayudarte, te dejo una referencia de lugares “permitidos” para cortar, jejeje.

Es bueno que, sin importar la distancia, tomemos la foto con la cámara a la altura de los ojos para que se destaque ese punto cuando alguien vea la imagen revelada.

Por último, quiero comentarles que es muy importante que el modelo (varón o mujer) se sienta cómodo. Si la foto se ve “forzada” será un fracaso total. Incluso a veces ayuda tomar una foto justo cuando el modelo estaba distraído, haciendo algo o charlando con nosotros.

¡Practiquen mucho! No necesitan modelos profesionales para lograr retratos interesantes, suele ser mucho mejor un familiar, amigos, pareja, gente de la calle o algún perro o gato que pose para nosotros ^_^.

Clase 18: Niños y eventos sociales

¡Hola, mis queridos alumnos del Taller de Fotografía Digital! ¿Siguen practicando mucho? ¡Me alegro! A esta altura ya deben ser unos expertos a la hora de tomar una foto ¿verdad? Ya pasamos la mitad del curso y lo que queda tiene más que ver con cuestiones técnicas.

Pues bien, a lo nuestro, hoy aprenderemos algunas técnicas para lograr las mejores tomas de niños pequeños, así como también un par de tips para la hora de asistir a eventos sociales, casamientos, cumpleaños, etc.

Fotografías con niños

Primero que nada, es bueno contar con una persona que nos haga de asistente, entreteniendo al niño, dándole charla, etc. De esta forma estará distraído y casual, ideal para tomarle unas cuantas fotos ¡mbuajajajaja! ^_^
Lo que mejor funciona en estos casos son los primeros planos. Además, trata de tomar las fotos a la altura de los ojos de la criatura; nunca “desde arriba”, que queda muy mal (hay excepciones, claro).
Como los pequeños suelen estar en constante movimiento, lo ideal es iluminar bien la escena (o subir el nivel de ISO o exposición de la cámara) y hacer capturas veloces (subiendo la velocidad). Así las imágenes saldrán nítidas.
No te olvides de lo importante del fondo, la escena. Puedes usar todo lo que vimos hasta ahora, agregar elementos como juguetes, etc.
Los colores primarios, brillantes y saturados suelen estar asociados con los niños. No escatimes alfombras, telas, paredes y juguetes de colores vivos.
No uses flash normal, sólo de relleno y en lo posible aprovecha la luz ambiente.
Muchos usan el disparo múltiple, lo cual es acertado, dado que de 10 fotos que saquemos en unos segundos, una de ellas seguro saldrá bien ^_^.

Fotografías de eventos sociales

Aquí valen todas las reglas que vimos hasta hoy: Las de interiores, retratos (estas también para los niños), nocturnas, etc.

Sólo, como pequeña recomendación, si vas a usar flash reductor de ojos rojos, avísale a todo el mundo que se quede quieto después del primer “fogonazo”. Es típico que se muevan y cuando realmente se captura la imagen ya todos parpadearon ^_^.

¡Espero que estos consejos les sean de ayuda! ¿Cuál es la consigna? ¡Practiquen! jejeje.

Clase 19: Casamientos

¡Hola, bienvenidos de nuevo! ¿Andan practicando mucho? En esta nueva clase del Taller de Fotografía Digital veremos algunos consejos para la hora de hacer de fotógrafos de boda. No de la tuya, claro, jejeje ^_^.

Pero es cierto que a veces puede pasar que un amigo o familiar nos pida una mano si sabemos de fotografía. Mi recomendación es que si no eres un experto se contrate un fotógrafo profesional y lo tuyo sea más un trabajo “complementario”.

Para comenzar lo ideal es contar con el equipo adecuado, aquí estamos hablando de las cámaras digitales que imitan a las réflex. Éstas te saldrán un buen dinero pero, siquieres iniciarte en el campo de la fotografía profesional deberías considerarlo como una inversión.También puedes conseguir muy buenos equipos usados por Internet. Para que no te lleves un chasco, consigue una cámara de buena marca y que sea un modelo al que le puedas aplicar un zoom óptico externo, autofocus, de gran aumento.

Los que van de los 35 a los 135mm están más que bien, pero también vas a precisar uno de 24mm o menos para las típicas fotos de retrato familiar.

El flash por supuesto que no puede faltar. De nuevo, te conviene que sea externo, y recuerda todos los tips que ya vimos a este respecto.

Un buen consejo es convencer a los novios de que hagan una sesión fotográfica unos días antes de la boda, si se puede, con su vestimenta nupcial. Esto es ideal porque no estarán híper nerviosos ni distraídos con mil personas alrededor.

Por supuesto que esto no reemplaza las fotos en el casamiento, pero es un excelente complemento. En una sesión previa te puedes tomar todo el tiempo del mundo para preparar una toma que inmortalice la pareja.

Siempre es adecuado buscar un paisaje soñado para realizar este tipo de sesiones, no es necesario viajar a París para conseguirlo, a veces basta con un patio, jardín o parque lleno de verde y flores.

En todos estos casos siempre es ideal contar con un trípode que te permita preparar adecuadamente la toma de la fotografía.

Deja volar tu imaginación, puedes fotografiarlos junto a sus objetos favoritos, junto a algún animal (ejemplo, montados a caballo), deshojando margaritas, en un auto antiguo o hasta pedir permiso en una agencia automotriz para fotografiarlos dentro de un deportivo último modelo, a cambio de regalarles unas copias de la imagen (dándole a la empresa permiso para usarlas en publicidad ^_^).

Las fotografías en blanco y negro destacan mucho más las formas, las luces y las sombras, por lo que son también un recurso muy usado en casamientos.
Los momentos adecuados en una ceremonia

Si ya vas con una idea clara de lo que quieres te será mucho más fácil tomar luego las fotos, algunos momentos adecuados para tomas fotos son:

Cuando el novio está esperando en la iglesia.
La entrada de la novia.
Los niños que llevan la cola del vestido o las alianzas.
El beso de los novios, imperdible.
La salida es otro momento clave. Con una velocidad de obturación rápida podrás captar los granos de arroz “congelados” en el aire. Luego, con un poquito menos de velocidad, les darás ese toque de movimiento. (¡Haz que les arrojen arroz varias veces! jejeje ^_^).
Durante la fiesta, la torta (incluidos los muñequitos) debe quedar para el recuerdo.
También el momento en que los novios cortan una porción.

Por último, cuando llega la hora de la fiesta, no vale ninguna regla, nada de poses armadas. Lo ideal aquí es captar a todos de manera realista, divertida, informal. A fin de cuentas es una ocasión para celebrar.

Como último consejo te sugiero que hagas un reconocimiento de quién es quién antes de la boda (padrinos, familia del novio/a, amigos, etc.) y que no te olvides de fotografiar a nadie si no quieres que te tiren la bronca ^_^.

Clase 20: El fotómetro

¿Cómo andan mis alumnos del Taller de Fotografía Digital? Espero que bien, y que estén practicando mucho. Hoy nos toca hablar sobre un aspecto técnico, más precisamente de un dispositivo que es utilizado por los fotógrafos profesionales para medir correctamente la luz.

Se trata del fotómetro, el cual nos permite saber el valor “exacto” de la luz en un punto donde luego tomaremos la fotografía. ¿Para qué nos sirve conocer la cantidad de luz? Pues para acomodar diafragma, nivel de exposición y sensibilidad de la película para obtener la imagen perfecta.

Pero no todo es tal como lo pintan, el fotómetro no es perfecto. Los que tengan cámaras digitales sin fotómetro ¡experimenten! Para eso está la pantalla que permite ver si una foto salió mal de modo que podamos tomarla de nuevo.

Al presionar el botón del fotómetro de nuestra cámara digital, la medición se hará en el lugar donde estamos “apuntando”. El valor arrojado será de “x” EV (Exposure Value, del inglés, “Valor de Exposición”).

Mediante otro botón el fotómetro digital nos dirá qué tiempo y nivel de exposición será el más adecuado para usar según el ISO que hayamos elegido para la foto.

Prueben con sus cámaras y comparen las imágenes tomadas con y sin fotómetro y con distinta luz ambiente.

CURSO DE FOTOGRAFIA DIGITAL